Fragen und Antworten: Gregg Kallor über „Frankenstein“ und den positiven Unterschied in seiner ersten Oper

Die Arizona Opera feiert ihre dritte Weltpremiere mit Mary Shelleys tief empfundener Geschichte

Gregg Kallors „Frankenstein“ ist ein Auftragswerk der Arizona Opera und wird im Oktober 2023 mit Aufführungen in Phoenix und Tucson uraufgeführt.

Diese Oper in zwei Akten; Adaptiert nach Mary Shelleys Roman, bringt das dringende Bedürfnis der Menschheit nach mehr Empathie an die Oberfläche. Der Komponist und Librettist Gregg Kallor erweckt in Zusammenarbeit mit der Regisseurin Sarah Meyers, der Dramaturgin Cori Ellison und der Dirigentin Nicole Paiement Shelleys Stimme und Fantasie auf eine herzliche Art und Weise zum Leben, indem er tiefere Fragen zum Thema „Andersartigkeit“ stellt.

„Wer ist das Monster: eine Kreatur, die ‚anders‘ ist – oder die Person, die diesen Unterschied nicht überwinden kann und hasserfüllt handelt?“ fragt Kallor.

OperaWire nutzte die Gelegenheit, mit Gregg Kallor in Kontakt zu treten und Frage für Frage mehr darüber zu erfahren, wie sein kreativer Prozess die Opernwelt positiv beeinflusst.

Gregg Kallor: Mir gefällt die Art und Weise, wie Sie diese Frage formuliert haben. „In die Herzen der Menschen vordringen.“ Das ist genau das, was ich tun möchte.

Ich begann 2016 in Zusammenarbeit mit der Regisseurin von „Frankenstein“, Sarah Meyers, eine musikalische Geistergeschichte zu schreiben. Dies war eine Adaption der Kurzgeschichte „The Tell-Tale Heart“ von Edgar Allan Poe. Wir hatten viel Spaß bei diesem Projekt. Als es vorbei war, fragte mich Sarah, ob ich jemals Mary Shelleys „Frankenstein“ gelesen hätte. Ich hatte es noch nicht gelesen und zögerte zunächst, weil ich nicht in das Gothic-Labyrinth fallen wollte. Aber Sarah kennt mich sehr gut. Sie schlug vor, dass ich es lese und mich anschließend mit ihr unterhalte.

„Frankenstein“ ist eines der besten Bücher, die ich je gelesen habe. Es ist episch, aber gleichzeitig auch unglaublich intim. Diese Geschichte fühlte sich in gewisser Weise opernhaft an. Ich denke, vielleicht wegen der sehr großartigen und sehr persönlichen Teile davon. Dieses Buch war ein Pageturner. Ich konnte es nicht aus der Hand legen und dachte darüber nach, dass diese Geschichte nicht nur mich anspricht, sondern meiner Meinung nach auch klar ist, wie sehr sie seit über zweihundert Jahren bei so vielen Menschen Anklang gefunden hat. „Frankenstein“ ist eine Geschichte, die ich erzählen möchte. Ich möchte auch so nah wie möglich an Mary Shelleys Adaption bleiben. Diese Geschichte geht über Hintergründe, geografische Standorte, Ethnien und Religionen hinaus. Hier geht es um „Andersartigkeit“. Es gibt keinen einzigen lebenden Menschen, der nicht erlebt hat, als „anderer“ wahrgenommen zu werden. Es geht darum, was passiert, wenn es an Empathie mangelt und wie wir das alle täglich erleben.

GK: Ich glaube, ich wollte einfach eine Weile in Mary Shelleys Welt leben und nicht versuchen, irgendetwas aufzuzwingen. Und jetzt, wo Sie diese Frage gestellt haben, denke ich über den anderen Text nach, den ich in Liedern gesagt habe. Ich denke, dass dies für mich in meinem gesamten Prozess ziemlich konsistent war. Ich brauche Zeit, um mit der Welt zu leben, die gerade aufgebaut wird. Ob es sich um ein Dickinson-Gedicht oder einen Roman handelt. Letztendlich dränge ich beim Komponieren natürlich etwas von mir auf, aber das kann nicht das erste sein, was ich tue. Ich möchte das Ganze eine Weile im Ofen backen lassen und sehen, was dabei auf natürliche Weise entsteht.

Ich habe „Frankenstein“ ein paar Mal gelesen, bevor ich überhaupt versucht habe, Musik zu schreiben. Aber natürlich spürte ich beim Lesen eine so starke emotionale Verbindung zur Geschichte und zur Figur. Während ich lese, passiert also auf irgendeiner Ebene etwas. Außerdem habe ich mir Notizen gemacht und genau hervorgehoben, welche Passagen ich beibehalten und welche Komponenten ich beibehalten wollte, als ich eine linearere Version davon für die Bühne erstellte. Während ich das tue, höre ich immer wieder Shelleys Worte in meinem Kopf. Während ich auf diese Weise damit lebe, fange ich an, bestimmte Texturen und einige Melodien zu hören. Wenn ich mich dann hinsetze und anfange zu schreiben, reagiere ich auf alles, womit ich lebe, und gehe meine Antwort von einem tieferen Ort aus an.

Shelley schrieb tatsächlich etwas in der Einleitung zur Ausgabe von 1831, wo sie sagte: „Erfindung besteht, das muss man bescheiden zugeben, nicht darin, aus dem Nichts heraus zu erschaffen, sondern aus dem Chaos.“ Sie spricht darüber, wie man aus dem Vorhandenen etwas Neues schaffen kann. Für mich ist dieses Projekt eines, bei dem ich bereits auf den Schultern von Giganten stehe. Komponisten, Autoren und Librettisten. Ich nehme das, was ich bereits daraus gelernt habe, und meine eigenen Erfahrungen beim Schreiben, Aufführen und Komponieren, um alles zusammenzufassen und Shelleys Roman zu würdigen.

GK: Das ist eine weitere tolle Frage. Es ist zart. Und das wird so oft übersehen, wenn man über diese Geschichte nachdenkt. Aber genau das ist es. Die Zärtlichkeit, aus der Shelley schreibt, ist auch auf den Mangel an Zärtlichkeit zurückzuführen, der ihr ihr ganzes Leben lang entgegengebracht wurde. Sie und ihre Mutter hatten beide eine so tragische Existenz. Ich denke, sie schafft es hervorragend, dies in ihre Geschichte einzubauen, damit der Leser es versteht, aber das Buch wurde auch zu einer Zeit geschrieben, als die meisten Leser Männer waren. Sie musste also so schreiben, dass die Zärtlichkeit vorhanden war, ihre Leser dadurch aber nicht verärgert wurden. Sie ist brillant.

Bei der Art und Weise, wie ich versuchte, diese Zärtlichkeit in der Musik zum Ausdruck zu bringen, habe ich mich einfach an ihr orientiert. Wirklich. Es ist mir sehr wichtig, dass die Kreatur als das nachdenkliche und sensible Wesen wirkt, das sie ist. Bei vielen seiner Musik wollte ich einfach unglaublich gefühlvoll sein. Sanft, wenn er nachdenklich ist. Und natürlich, wenn es Momente der Wut gibt, die auch reflektiert werden müssen. Lyrisch und herzlich in seiner Reaktion auf die grausame Welt um ihn herum. Aber keiner der Charaktere in dieser Geschichte ist eindimensional. Das war einer meiner größten Kritikpunkte bei so vielen Adaptionen. Es wird sehr schwarz und weiß, aber die Kreatur ist kein perfektes Wesen. Offensichtlich wird er mörderisch. Und doch ist der Kontext, der ihn dazu führt, entscheidend. Er ist ein sehr sympathischer Charakter.

Viktor ist auch nicht nur ein verrückter Wissenschaftler oder dieses böse Genie. Er ist sehr menschlich. Seine ursprüngliche Motivation, ich denke, wir können sie alle verstehen. Seine Mutter starb an Scharlach und das motivierte ihn, ein Wesen zu erschaffen, das immun gegen Krankheiten ist. Ich denke, wir alle wissen, wie viel Aufwand wir unternehmen würden, um einen geliebten Menschen zu retten. Victor verfiel der Besessenheit und isolierte sich. Er hatte keinen Rat und keinen Kontakt zu geliebten Menschen. Er isolierte sich physisch in einem Raum, den er sein „Labor der schmutzigen Schöpfung“ nennt. Ich mache mir jetzt Sorgen, dass wir uns alle hinter unseren Bildschirmen und unseren Telefonen isolieren. Auf diese Weise entsteht leichter Wut und Besessenheit. Wenn wir keine Kollegen, Familie, Freunde, Berater oder einfach nur eine andere Perspektive haben, haben wir alle das Potenzial, ein „Sieger“ zu sein.

Ich denke, das übergeordnete Ziel, der Musik Zärtlichkeit zu verleihen, hilft mir dabei, mit der Art und Weise, wie ich die Gesangslinien setze und orchestriere, dorthin zu gelangen. Es muss auch etwas Schmerz in der Musik sein, um bestimmte Umstände widerzuspiegeln. Aber es muss auch immer Zärtlichkeit vorhanden sein, damit wir spüren, was die Charaktere fühlen. Wir erleben, was die Charaktere erleben. Das ist unser Weg in ihre Welt.

GK: Ich habe mich durch meine Zusammenarbeit und auch durch die Gespräche, die ich dabei geführt habe, am meisten verändert. Meine Frau schenkte mir „The New Annotated Frankenstein“, herausgegeben von Susan J. Wolfson und Ronald Levao. Die literarischen Einblicke, historischen Kontexte und visuellen Kunstpaarungen sind brillant. Es vertieft mein Verständnis des Romans und der darin eingebetteten Schichten.

Ich wandte mich an Professor Wolfson, die in Princeton lehrt, und sie lud mich freundlicherweise ein, an einer ganzen Reihe ihrer „Frankenstein“-Seminare teilzunehmen. Sie ist eine engagierte Lehrerin und je mehr ich saß und zuhörte, desto besser verstand ich den Roman. Meine Herangehensweise daran hat sich erweitert. Ich würde nicht sagen, dass es meine grundlegende Herangehensweise an das Stück verändert hat, aber es hat mir geholfen, die Feinheiten und Nuancen zu erkennen, die ich dann bei der Gestaltung der Charaktere der Charaktere und sogar einiger ihrer Musik angewendet habe. Professor Wolfson hat mir und meinem Wachstum in diesem Prozess sehr geholfen. Ebenso hilfreich sind meine Regisseurin Sarah Meyers und meine Dramaturgin Cori Ellison. Sie waren meine Führer, Unterstützer und Verfechter. Sie sind beide so klug und nachdenklich. Ich bin neu auf diesem Gebiet, und wenn sie aufschlussreiche und bohrende Fragen stellen, hilft das mir, meine Gedanken zu klären. Sie haben oft tolle Ideen, die ich nicht berücksichtigt habe oder die ich weiterentwickeln könnte.

Teil meiner Entwicklung war es, zu lernen, den Input von denen, die ich zutiefst respektiere, in Einklang zu bringen und mich auf meine Instinkte zu konzentrieren. Sowohl als Komponist als auch als Mensch. Es ist auch erstaunlich, wie „Frankenstein“ Resonanz findet und diese Tentakel hat, die in viele verschiedene Richtungen reichen, wie zum Beispiel Strafjustiz, Behinderungen, alleinerziehende Mutterschaft, Andersartigkeit, Empathie und sogar Umweltschutz. Für mich war es faszinierend, mit verschiedenen Menschen in all diesen unterschiedlichen Bereichen in Kontakt zu treten und zu sehen, wie sich die Geschichte auf sie bezieht und wie sie in unserem heutigen Leben Anklang findet. Ich möchte das, was uns alle auf einer ganz grundlegenden Ebene anspricht, in die Musik einfließen lassen.

GK: Der Umfang und Umfang einer Oper ist größer als alles, was ich je gemacht habe. Aber es ist immer noch Musik, die ich mein ganzes Leben lang gemacht habe. Meine Herangehensweise daran unterscheidet sich nicht grundlegend von allen anderen Stücken, die ich geschrieben habe, da ich mit einer Idee lebe, eine interne Reaktion darauf zulasse und dann daran arbeite und sie verfeinere, bis sie hoffentlich die Leute anspricht.

Im Laufe meines kreativen Prozesses hat sich an meinem Arbeitsprozess nicht viel geändert, aber ich habe Wert darauf gelegt, auf andere zuzugehen und sicherzustellen, dass mein Ansatz bei der Produktion einer Oper der richtige ist. Ich beginne damit, einen Entwurf zu schreiben, und dann muss ich mich mit den Darstellern zusammentun und ihn spielen. Wir wissen nur, was funktioniert und was nicht, wenn wir in einen Raum kommen und dort Chaos anrichten. Unser erster Klavier- und Gesangsworkshop in New York dauerte eine Woche. Sarah Meyers, Cori Ellison, acht Sängerinnen, eine wunderbare Pianistin und die Dirigentin Nicole Paiement waren alle da. Es war erstaunlich, dass alle drei Leute, die das Schiff leiteten, Frauen waren. Bei diesem Projekt fühlte es sich richtig an und all diese Ideen flossen ein. Nicole weiß, dass ein Dirigent alles über alles wissen muss. Sie verfügt über ein enormes Wissen und liebt neue Werke. Sie konnte die Dinge für mich wirklich auf den Punkt bringen. Sarah bringt ihr ganzes Regiewissen ein und Cori ihre ganze Erfahrung als Dramaturgin. Sie ist eine Philosophenkönigin.

Ich war auch sehr gespannt auf den Input aller Sänger und des Pianisten. Jeder kommt von einem anderen Ort zur Musik, sieht unterschiedliche Dinge darin und kann Anleitungen geben, die sich speziell auf das beziehen, woran er gerade arbeitet, und im Kontext des Ganzen. Dank dieser Gruppenleistung ist „Frankenstein“ heute stärker als je zuvor. Es ist besser, als wenn ich allein in einem Raum wäre und ganz alleine komponieren würde. Der Schlüssel für mich besteht darin, im Laufe dieses Prozesses daran zu denken, mich nicht zu sehr an einer Sache zu klammern oder daran hängen zu bleiben, sodass ich sie bei Bedarf nicht ändern kann. Auf der anderen Seite muss ich daran denken, die Dinge, die für das, was dieses Stück, dieses Stück ausmacht, wesentlich sind, nicht wegzuwerfen.

Ich habe während meines Prozesses wirklich geübt, selbst ein Student zu sein. Wie ich auf das reagiere, was die Leute sagen. Wie ich im Laufe von fünfeinhalb Jahren auf meinen emotionalen Zustand reagiere. Mein äußeres Leben mit künstlerischen Dingen in Einklang bringen. Ich frage mich, ob ich objektiv genug bin. Oder muss ich weggehen und zu etwas zurückkehren? Ich kann manchmal 18 bis 19 Stunden am Tag arbeiten, aber ich empfehle es nicht. Es ist schwer, aus diesem Zustand herauszukommen, aber irgendwann kann man nicht mehr klar sehen, also brauche ich etwas Zeit, um mit frischen Augen und Ohren zurückzukommen. Es ist wichtig, eine klare Perspektive zu behalten.

GK: Ich möchte, dass jeder, der das erlebt, sowohl das Publikum als auch die Künstler, sich irgendwie bewegt fühlt. Wie auch immer „Frankenstein“ zu ihnen spricht, ich hoffe, dass wir sie dazu bringen können, etwas zu spüren, das ausreicht, um aus dem Chaos ihres eigenen Lebens herauszukommen und sich auf einer inneren Ebene zu verbinden. Ich hoffe, dass die Menschen mit dem Gefühl davonkommen, dass sie dringend mehr Einfühlungsvermögen brauchen. Wenn sie anfangen können, darüber nachzudenken, wie sie als „andere“ wahrgenommen werden und wie sie andere Menschen auf diese Weise sehen. Ich denke nur kurz darüber nach. Vielleicht wird es irgendwann einmal eine Beziehung oder eine Begegnung beeinflussen. Das ist meine größte Hoffnung.

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Von Jennifer Pyron

Jennifer Pyron deckt ein breites Spektrum an Opernaufführungen und Interpreten in der New Yorker Opernszene ab.